Disfrutemos de la Historia

sábado, 18 de mayo de 2013

"El grito" de Eduard Munch

EL GRITO - EDUARD MUNCH
 
 
Definición de la obra:
 
El grito es el título de cuatro cuadros pintados en 1863 por el Noruego Eduard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular.
 
Significado:
 
La fuente de inspiración para El grito podría encontrarse quizá, en la atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo y rígido que, siendo niño, vió morir a su madre y a una hermana de tuberculosis. En la década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron un trastorno bipolar y fue internada en un psiquiátrico. El estado anímico del artista queda reflejado en estas líneas, que Munch escribe en su diario hacia 1892:

"Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla, inexplicablemente cansado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza..."
 
Características:
 
Munch inmortalizó esta impresión en el cuadro La desesperación, que representa a un hombre con un sombrero de copa, de medio lado, inclinado sobre una prohibición y en un escenario similar al de su experiencia personal.
 
 
No contento con el resultado, Munch pinta un nuevo cuadro, esta vez con una figura más andrógina, de frente, mostrando el rostro, y con una actitud menos contemplativa y más activa y desesperada. Lo mismo que la anterior, esta primera versión de El grito, se llamó La desesperación. Según detalla Robert Rosenblum (un especialista de la obra del pintor), la fuente de inspiración para esta estilizada figura humana podría haber sido una momia peruana que Munch vió en la Exposición Universal de París en 1889.
 
El cuadro fue expuesto por primera vez en 1893, formando parte de un conjunto de seis piezas titulado Amor. La idea de Munch era la de representar las distintas fases de un idilio, desde el enamoramiento incial a una ruptura dramática. El grito representaba la última etapa, envuelta en angustia.
 
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda  de Leonardo da Vinci.
 
El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.
 
Curiosidades:

- El cuadro se sitúa en el primer puesto del top ten de las obras de arte más caras del mundo, ya que fue vendido en una subasta a un coleccionista anónimo por 91 millones de euros.

- Varias de las versiones del cuadro han sido robadas en los últimos años. El cuadro de la Galeria Nacional de Noruega fue sustraído en 1994 y recuperado poco después. Mientras que dos obras más, El grito y Madonna del Museo de Munch en Oslo fueron sustraídas en Agosto de 2004 ente la atónita mirada de los visitantes: dos hombres descolgaron los cuadros y se los llevaron. Estuvieron dos años desaparecidos hasta que la policía detuvo en 2006 a los autores del robo y las devolvieron de nuevo al museo en buen estado.

- Esta obra además se ha convertido en un icono contemporáneo con múltiples reproducciones como la portada de la revista norteamericana The Time en 1961.

 
- Este cuadro es tan popular que podemos encontrar representaciones suyas en películas de terror como por ejemplo en "Scream" que significa "El Grito".
 
 
Otras representaciones:
 


 
 
 
Videos:

Explicación del cuadro -->

Noticias relacionadas con la obra:

http://www.abc.es/20120503/cultura-arte/abci-subasta-grito-munch-201205030207.html

Algunas frases interesantes que dijo el autor:

- " Igual que Leonardo Da Vinci estudió la anatomía humana y disecó cuerpos, yo intento disecar almas"

- "Lo que está arruinando el arte moderno es el comercio, ya no se pinta por el deseo de pintar"

- "La enfermedad, la locura y la muerte eran los ángeles negros que vigilaban mi cuna"

- "La insistencia en la armonía y la belleza en el arte es una renuncia al ser honrado; sería falso mirar únicamente el lado agradable de la vida."





sábado, 11 de mayo de 2013

"La última cena" de Leonardo da Vinci




La última Cena" de Leonardo Da Vinci es un fresco de 4,60 x 8,80 metros pintado entre 1495 y 1498, en la pared del refectorio de la iglesia de Santa Maria delle Grazie (Milán), elegida por el duque Lodovico como capilla y mausoleo de familia, y cuyo tribuna y presbiterio había hecho renovar por Bramante en 1492.
Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última cena, provocando numerosas restauraciones. 

Varias inundaciones acaecidas en Milán contribuyeron al deterioro de la obra. La incorporación de una puerta en la sala en 1652, cercenó los pies de varios personajes del mural. En 1797 un ejercito francés utilizó la sala como establo deteriorando la obra aún más. En 1943 los bombardeos aliados pusieron su grano de arena en el progresivo deterioro de la obra. En 1977 se inició un programa de restauración y conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstante gran parte de la superficie original se ha perdido. 

- COMO SE PINTÓ




Usando la horizontalidad teatral, Leonardo pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados alineados a ella con Jesucristo en el medio y detrás una sala grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas; todo bajo un techo de vigas de madera. Todo ello elaborado con formas cuadradas (las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo, los varales rectangulares).
Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su conveniencia también; prescinde de la iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo durante este momento que anuncia la traición de Judas, para dar un contraluz. La visión desde las ventanas aporta perspectiva y una visión hasta la lejanía por el paisaje que desde ellas se aprecia.

- QUE SE PRETENDE REPRESENTAR 

La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la izquierda como se puede ver en la imagen. Esto es lo que cuenta Mateo Bandello, novicio del convento sobre la ejecución de La Última Cena:"Llegaba bastante temprano, se subía al andamio y se ponía a trabajar. A veces permanecía sin soltar el pincel desde el alba hasta la caída de la tarde, pintando sin cesar y olvidándose de comer y beber. Otras veces no tocaba el pincel durante dos, tres o cuatro días, pero se pasaba varias horas delante de la obra, con los brazos cruzados, examinando y sopesando en silencio las figuras. También recuerdo que en cierta ocasión, a mediodía, cuando el sol estaba en su cenit, abandonó con premura la Corte Vecchia, donde estaba trabajando en su soberbio caballo de barro, y, sin cuidarse de buscar la sombra, vino directamente a Santa Maria delle Grazie, se encaramó al andamio, cogió el pincel, dio una o dos pinceladas y se fue".

- A continuación podemos ver un video donde se destacan algunos de los secretos  de" La última cena" :



- MISTERIOS POR RESOLVER

Tras este cuadro existen ciertos mensajes ocultos sobre la religión, que no podían ser mostrados en su época para que da Vinci no fuera acusado de hereje. Pero ahora, estos misterios religiosos pueden ser desvelados. Vamos a ver a continuación:


1º- Tadeo, es representado a la derecha, el penúltimo. Sus facciones son similares a las de el propio Leonardo.
No es por casualidad que se encuentre de espaldas a Jesús, de hecho esta posición fue pintada con el motivo claro, la desconfianza que tenía Leonardo da Vinci a la creencia del cristianismo. Se notaba escéptico  y en esa época hubiera sido tildado de hereje, por lo que se cuidó mucho de no parecerlo.   



2º- Simón Zelote. El apóstol situado a la derecha del todo. Su cara es una copia del busto de Platón, y este, era un personaje mal visto por la iglesia. De hecho, como pudimos leer o ver la película del Nombre de la Rosa de Umberto Eco ambientada en el S XIV. Vemos que toda la trama la genera un libro de Aristóteles (discípulo de Platón) que haría temblar los cimientos de la iglesia católica.


3º- El gemelo de Jesús, Tomas.  Son muchos los que creen que el apóstol Tomas era realmente el hermano gemelo de Jesús, incluso Leonardo también lo creía. Y lo dejó plasmado en el cuadro.
Tomas significa "gemelo" en arameo, y Dídimo tiene el mismo significado en griego. Por supuesto, si realmente Tomas fuera el gemelo de Jesús  se podía dudar de la resurrección de Jesús. Un día clave en el calendario cristiano. 





4º- Misterio de María Magdalena. Seguramente, muchos habremos visto "El código da Vinci", un libro que expone la presencia de María Magdalena como figura principal en la vida de Jesús. Algo negado por una sociedad aun machista y más hace 2.000 años. Pero no es negada únicamente por machismo. La iglesia entiende la diferencia entre el amor de un padre y el amor de una madre. Mientras que el amor de una madre es incondicional, el de un padre responde a resultados. Para la iglesia católica, el amor paterno era el motivo perfecto para controlar a los creyentes. Era más fácil dominarlos si se portaban "bien" que si sabían que eran amados siempre. Se trata pues de una estrategia de control hecha por la Iglesia. Leonardo lo sabía, y aunque no pudo representarla en el centro de la cena (porque sería impropio para esa época), pudo representarla lo más próximo a Jesús. 


5º- Ahora veamos el siguiente mensaje que intenta transmitir Leonardo da Vinci. 
Llama la atención que el único cuchillo que hay en la mesa se encuentra en las manos de Pedro. Sostiene el cuchillo de una manera extraña, casi antinatural. Resaltar la presencia del cuchillo en la mano de Pedro se debe a que el pintor trata de trasmitir un sentimiento muy humano que pudo tener Pedro: envidia hacia Jesús. Pedro se da cuenta de que de las figuras de Jesús y María se levantaría una nueva religión, y como co-fundador, se sentía ultrajado. De hecho, su hermano Andrés, se ve sorprendido por la actitud de Pedro y levanta las manos en señal de que él no tiene nada que ver.



6º- Después de ver los casos anteriores, parece que la falta de fe de Leonardo empieza a ser evidente, no pinta apóstoles divinos llenos de comprensión, sino personas con sentimientos mundanos... como cualquier persona. Otro ejemplo de esto, sería las aureolas. En aquella época, los personajes de los cuadros con figuras santas eran representados con una aureola para diferenciarlos de los no-santos. En cambio  Leonardo da Vinci no lo hizo... por supuesto, no fue un descuido.








OTRAS REPRESENTACIONES CURIOSAS DE " LA ÚLTIMA CENA " 








La representación de esta imagen podemos ver que ha sido imitada en dibujos animados, películas o incluso en anuncios publicitarios.


Por último, os dejamos un video de una canción sobre esta obra de arte de Leonardo:




Existen algunas peculiaridades más sobre el cuadro, indicios, misterios sin resolver de importancia menor, como: ¿por qué Judas es el único vestido con 3 colores? o ¿Por qué no aparece ningún cáliz? Posiblemente, con el tiempo este cuadro nos aportará más pistas sobre todo aquello que Leonardo nos quería decir sobre "LA ÚLTIMA CENA".

sábado, 27 de abril de 2013

LA ALHAMBRA DE GRANADA

LA ALHAMBRA DE GRANADA
La Alhambra es un Conjunto Monumental creado a lo largo de más de seiscientos años por culturas tan diversas como la musulmana, la renacentista o la romántica y probablemente sea uno de los monumentos más conocidos y valorados del mundo.
Significado
La Alhambra es denominada así por sus muros de color rojizo ("qa'lat al-Hamra'" = Castillo Rojo) y está situada en lo alto de la colina de al-Sabika, al este de la ciudad, frente a los barrios de Albaicín y de la Alcazaba.

Quién la hizo y cuándo

La Alhambra fue mandada construir por el rey al-Ahmar, quien a mediados del siglo XIII vio edificar la alcazaba, la parte más antigua del conjunto monumental. Sus descendientes ampliaron la ciudad y comenzaron a fortalecer el recinto defensivo. Los palacios son obra de los dos reyes más famosos de la dinastía nazarí. El rey Yusuf I (1333-1354) enriqueció el palacio de Comares y patrocinó las obras del patio de los Arrayanes y del salón del trono. Su hijo, Muhammad V (1362-1391) mandó construir los baños árabes y, buena parte de las torres que circunvalan el perímetro alhambreño, y proyectó el gran patio de los Leones, la residencia privada del monarca y de su familia.

Características

La Alhambra es hoy en día un monumento compuesto por diferentes elementos artísticos de épocas distintas, fruto de una evolución en el tiempo caracterizada por la voluntad permanente de su mantenimiento, testimonio de un momento determinado que se ha transmitido durante generaciones de manera sorprendente.


Su condición de recinto fortificado cuenta con una muralla de 1.730 metros lineales que la rodea por completo, en la que se reparten una treintena de torres de tamaño y función muy diferentes. La gran muralla que encierra y protege la Alhambra tiene en su perímetro cuatro grandes puertas defensivas casi equidistantes, dos situadas al norte y otras dos al sur.

La mayor preocupación de los arquitectos de la Alhambra era cubrir decorativamente cada espacio, por pequeño que fuese, es decir, cualquier elemento decorativo resultaba escaso. La mayoría de los arcos interiores son falsos, no sustentan ninguna estructura, simplemente decoran, las paredes están recubiertas de cerámica o yeserías, hermosísimas y muy ricas, las cubiertas presentan armazones de madera labrados de manera exquisita.

En la Alhambra se emplea un tipo de columna propio que no aparece en ninguna otra construcción. Es una columna de fuste cilíndrico muy fino, con una base que presenta una gran moldura cóncava, y adornada por anillos en su parte superior. El capitel, dividido en dos cuerpos, presenta en el primero, en forma de cilindro, una decoración muy sencilla y sobre él un prisma con los ángulos de la base redondeados, decorado de ataurique.


Uno de los elementos decorativos más impresionantes utilizados en la Alhambra es la bóveda de mocárabe, que está compuesta por celdillas o alveólos superpuestos, destacando por su utilización la Sala de los Abencerrajes y la Sala de las Dos Hermanas.

Curiosidades

- Hay una vieja leyenda, tan bella como improbable, que asegura que la Alhambra fue construida de noche, a la luz de las antorchas: sus albores rojizos hacían creer a los ciudadanos de Granada que el color de la fortaleza era como el de la sangre.

- A lo largo de siete años un grupo de especialistas del Consejo Superior de Investigaciones Científicas de España lograron descifrar un tercio de las 10.000 frases que el popular edificio árabe La Alhambra de Granada posee en sus misteriosos techos y coloridas paredes.

- En 2007 La Alhambra, una gran atracción turística, fue proclamada uno de los 12 Tesoros de España.

VIDEOS:


 ----> DOCUMENTAL

 ----> ALHAMBRA EN 3D


 
 En este video podreis escuchar una canción del famoso grupo " El barrio " que habla de La Alhambra.

PAGINAS CONSULTADAS:







"No hay pena más grande que ser ciego en Granada..."









sábado, 20 de abril de 2013

EL DISCÓBOLO DE MIRÓN









Significado


El término griego Discóbolo significa lanzador de disco, uno de los deportes más tradicionales de la antigua Grecia, siendo la obra la representación de un momento del movimiento de un atleta en esa disciplina.



Quién la hizo y cuándo

La famosa escultura del Discóbolo fue creada por el artista griego Mirón en el siglo V AC. Es considerada una de las esculturas más importantes del mundo y el original se encuentra ubicado en el “Museo Nazionale Romano” de la ciudad de Milán (Italia).



Características

La hermosa escultura mide aproximadamente 1,60 metros de altura.

Existen varias figuras, una está realizada en mármol tallado y la otra, sabiendo que el autor fue especialmente broncista, podemos decir que es la original y que está fundida en bronce.

En la composición de la escultura, Mirón pretende crear un movimiento armónico. Para ello utiliza diagonales dobles que se contrapesan entre sí, creando dinamismo en las distintas partes del cuerpo que, en el conjunto, se armoniza al contraponer movimientos contrarios.















                                        
El movimiento es una de las claves que se quieren representar, el movimiento del hombre como muestra de avance en el pensamiento y en todas las áreas de la vida.

El deporte tenía en esta época una gran relevancia en la vida del hombre como símbolo de independencia, libertad y democracia, por lo que la obra tiene un alto contenido político y filosófico.

Seguramente haya sido construida en honor a algún gran atleta de la época, aunque en ese momento en Grecia se buscaba plasmar un hombre ideal en las obras y no personificar a alguien puntualmente.





Arte


 







La figura resulta idealizada y proporcionada, con un canon un tanto esbelto y poco musculoso. Podemos observar un gesto inexpresivo, ya que el autor se centra más en la creación de armonía y no en el esfuerzo físico.

La belleza, por tanto, se expresa de una forma racional, conectando el arte al hombre, como es típico en esta sociedad griega de carácter antropocentrista en donde el hombre es la medida de todas las cosas, al contrario de lo que sucedía en las artes arcaicas.

El arte griego se podía entender como un arte por el arte, sin otras finalidades, ya que anteriormente se centraban también la creación de arte religioso. Aún con esto, el Discóbolo se convertirá rápidamente en un símbolo de lo clásico, tanto por su ruptura de la frontalidad y su atrevida composición, como por la novedad del tema.



Curiosidades:


Se hizo una copia hallada en 1781, llamada, Discóbolo Lancellotti, que se puede admirar hoy en el Palacio Massimo, una de las sedes del Museo Nacional Romano y, probablemente, la más fiel reproducción del original griego.

Como curiosidad diremos que Adolf Hitler, valiéndose de la afinidad ideológica con los jerarcas fascistas italianos, y a través del Conde Ciano, el yerno de Mussolini, pagó cinco millones de liras del año 1938 para hacerse con ella. En Alemania permaneció durante diez años en la Gliptoteca de Munich, hasta que en 1948 las autoridades italianas consiguieron su retorno.

La escultura del Discóbolo de Mirón también aparece en el capítulo “Arte de Mamá y Papá” de la serie televisiva “Los Simpson”.


Encontramos también alguna copia modificada de la figura original como la que mostramos a continuación.


 







Videos:
-          Imagen en 3D



-   Capítulo de Los Simpsons, en el que aparece el Discóbolo de Mirón

http://www.lossimpsonsonline.com.ar/capitulos-online/espanol-latino/temporada-10/capitulo-19

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